HomeWem gehört die Bühne? - Sechs Jahre Heimspiel-Fonds der Kulturstiftung des Bundes
Nach sechs Jahren Heimspiel-Fonds der Kulturstiftung des Bundes ziehen nationale und internationale Theaterexperten Bilanz und wagen den Blick in eine Zukunft ohne Sonderzuschüsse für Theaterprojekte mit Stadtbezug Im Sport bedeutet ein Heimspiel Vorteil. Die Platzbedingungen sind aus dem Training bekannt, der Großteil der Zuschauer ist auf deiner Seite, feuert dich und dein Team an und will, dass ihr gewinnt. Das spornt an, erhöht aber auch den Leistungsdruck. Gelingt der Sieg, wird er mit rauschendem Jubel von den Tribünen gefeiert. Das Heimspiel ist gewonnen. Die Fans sind glücklich, der Vertrag für die nächste Saison ist gesichert. Der Platz gehört dir! Im Theater bedeutet Heimspiel seit 2006 Extrageld von der Kulturstiftung des Bundes für Projekte deutscher Stadt- und Staatstheater, die sich in besonderem Maße mit Menschen und Themen der sie umgebenden Stadt auseinandersetzen. Dieser Vorteil ist allerdings auf ein Defizit zurückzuführen. Ein Stadt- oder Staatstheater liefert im Grunde genommen Abend für Abend ein Heimspiel auf bekannter Bühne, allein die Fan-Zahlen lassen zu wünschen übrig. Und obwohl ein Theatergebäude geografisch meist im Zentrum einer Stadt angesiedelt ist, scheint es im Bewusstsein der Stadtgesellschaft eher einen Platz am Rande des Spielfelds zu haben. Weiterlesen: Wem gehört die Bühne? - Sechs Jahre Heimspiel-Fonds der Kulturstiftung des Bundes Das Ballhaus Naunynstrasse - Mit Volldampf gegen Klischees
Das Ballhaus Naunynstraße im Berliner Einwandererbezirk Kreuzberg ist konzeptionell einmalig in Deutschland: Künstlerinnen und Künstler der zweiten und dritten Einwanderungsgeneration bespiegeln in dem kleinen Hinterhoftheater die gesellschaftlichen Diskurse aus ihrer Perspektive. 2008 gegründet, avancierte die Bühne unter ihrer Leiterin Shermin Langhoff zu einer der gefragtesten Adressen für interkulturelle Trendscouts und Festivalmacher. Zum Weiterlesen klicken Sie bitte hier. Tiefe Täler, hohe Gipfel, große Weiten – Regie für Kinder
Die deutsche Theaterlandschaft der Regie für Kinder ist in ihren Themen tiefgründig, Horizont erweiternd und innovativ – wie es dem Wesen der darstellenden Kunst entspricht. In Deutschland gibt es ein vergleichsweise dichtes Netz von professionellen Theatern, die explizit für Kinder und Jugendliche arbeiten. Eine Vielzahl von Regisseuren entwickeln spezielle Handschriften für ein junges Publikum. So unterschiedlich die Künstler sind, so vielfältig ist die ästhetische Entwicklung des Theaters für Kinder. Der einzig erkennbare Konsens dieser Künstler besteht in der Haltung, Kinder als vollwertige Menschen mit ihren Sorgen, Ängsten und Freuden ernst zu nehmen und ihnen auf der Bühne nichts vorzuenthalten, was ihr Leben betrifft. Zum Weiterlesen klicken Sie bitte hier. Einfachheit und Lust und Freiheit - Symposium im Theaterhaus Jena - Juni 2011
Das Theater wird – seit es existiert – vom Publikum, von der Kritik, von seinen Künstlern, Theoretikern und der (Kultur-)Politik immer wieder auf den Prüfstand gestellt. Um lustvoll für ihr Publikum, ihre Stadt künstlerisch zu arbeiten und nicht nur den Apparat zu erhalten, müssen sich die Macher mit den gesellschaftlichen Veränderungen auseinandersetzen und sich selbst in ihren Inhalten und Strukturen immer wieder neu befragen. Es gibt dafür viele Modelle. Welche funktionieren heute und dienen als Sprungbrett, um weiter zu denken? Eines davon ist das Theaterhaus Jena. Seit nunmehr 20 Jahren ist es eine einmalige Institution in der deutschsprachigen Theaterlandschaft: Im Spannungsfeld von Stadttheater und freier Produktionsstätte haben sich die verschiedenen Künstlerischen Leitungsteams die Erforschung experimenteller theatraler Produktions- und Ausdrucksweisen, die Erprobung neuer Arbeitsstrukturen sowie die Förderung von soziokultureller Arbeit zur Aufgabe gemacht. Und sind damit seit 20 Jahren regional und überregional auf Erfolgskurs. Weiterlesen unter: theaterhaus-jena.de Wir sind das Theater
Aber wer ist wir? Die Theaterszene traf sich zum Selbstbefragungssymposion, die Kulturstiftung des Bundes veranstaltete zusammen mit dem Schauspiel Köln ein viertägiges Festival: „Heimspiel – Wem gehört die Bühne??" Positives Durcheinander. Strukturen, sagt Ulrich Khuon, sind von Natur aus träge, das gelte auch für die des deutschen Stadttheaters. Und wir, so der Intendant des Deutschen Theaters Berlin, sind dafür da, sie zu dynamisieren. Wir, das sind in diesem Fall die Verantwortlichen an jenen städtischen Theatern, die Matthias Lilienthal, Chef am Berliner Theaterkombinat HAU, als „vernagelte Kisten“ bezeichnet, Kisten, „die möglichst viel tun, um das Publikum abzuweisen“. Ja, ja, erwidert Khuon, ein Allheilmittel seien die jetzt so beliebten Strategien der Partizipation zwar nicht. Aber man müsse schon raus aus den Häusern, müsse Leute aus verschiedenen Milieus am Theater beteiligen und ihnen mehr zuhören, gerade denen, die nicht in die Stadttheaterkisten kommen. Lilienthal nickt. Es nicken auch André Bücker, Intendant am Anhaltischen Theater Dessau, und Barbara Mundel, Theaterchefin in Freiburg. Das war jetzt bei einem Podiumsgespräch im Kölner Kunstverein. Tanz gehört nicht in die Tonne!
Das Tanzarchiv Leipzig soll geschlossen werden. Der Freistaat Sachsen und die Universität Leipzig planen, die Bestände in das Universitätsarchiv einzugliedern. Der bisherige Standort wird zum Sommer aufgelöst. Ein eigener Ort, Projekte mit Künstlern, die Betreuung durch Tanzfachleute – all dies soll abgewickelt werden. In diesem Prozess sind auch Überlegungen geäußert worden, Teile der Bestände einfach zu entsorgen. Das Tanzarchiv Leipzig ist kein toter Ort, an dem noch ein paar vergilbte Briefe von Tänzern lagern – hier werden die Ideen von Künstlern bewahrt und mit einer jungen Generation von Künstlern in neuen Visionen, neuen Projekte umgesetzt – zum Beispiel im internationalen Festival „Play!Leipzig“. Wo, bitte, sind hier die Kopftücher?
In Marburg wurde bei den 4. Hessischen Theatergesprächen über das Verhältnis von „Migration und Theater“ diskutiert. Manch einer aber wurde dabei vermisst. Von Max Balzer Marburg – Fremd ist der Fremde nur in der Fremde, soll Karl Valentin einmal gesagt haben. Aber wo das Theater ist, das weiß auch die Kellnerin am Marburger Rathausplatz nicht. Nun ja, die Sonne scheint. Buchläden, Fachwerkfassaden und Kopfsteinpflaster. Irgendwer wird den Weg schon weisen können. „Das Landestheater?“ Der dritte Passant, distinguiert mit Stock und Hut, verweist aufs nahe Bürgerhaus. Da hänge ein Stadtplan. Tatsächlich liegt das Hessische Landestheater weit draußen. Das Gebäude ist kein architektonischer Blickfang. Der Saal, in dem sich schon ein kleines Publikum versammelt hat, weckt Erinnerungen an Schulzeiten. An seiner Breitseite zwei zusammengerückte Tische – dort ist Prof. Dr. Wolfgang Schneider von der Universität Hildesheim eben dabei, die Diskutanten zum Thema „Migration und Theater“ vorzustellen: Matthias Faltz, Intendant des Hessischen Landestheater und Initiator der Hessischen Theatergespräche, außerdem Azar Mortazavi, Dramatikerin aus Berlin mit Migrationshintergrund, und Rusen Kartaroglu, Theaterpädagoge mit Schwerpunkt ‚Interkulturelle Arbeit’. „Auch er mit Migrationshintergrund“, sagt Schneider dazu, um nachzuhaken: „Sagen Sie, nervt Sie das nicht?“
Starkes Verlangen und Mut - Freie Szene treibt Entwicklung der Theaterkunst voran
Interview mit Regisseur und Dramaturg Werner Mink
Berlin, 04. April 2011 Als einer der zehn Kuratoren für das Deutsche Kinder- und Jugendtheater-Treffen benennt der freie Regisseur und Dramaturg Werner Mink im Interview die Akzente von „Augenblick mal! 2011“. Mink ist unter anderem Juror für den Mülheimer KinderStückePreis 2011. Die Augenblick mal!-Kuratoren haben 310 Aufführungen des Kinder- und Jugendtheaters gesichtet, um anschließend zwanzig herausragende Produktionen zu nominieren. Zehn davon sind vom 14. bis 19. Mai 2011 nach Berlin eingeladen.
FRAGE: Sie sind seit Jahren in der deutschen Theaterszene als Regisseur und Dramaturg unterwegs - wie bewerten Sie die Bedeutung von Augenblick mal! angesichts der Diskussion um kulturelle Bildung in Deutschland? WERNER MINK: Was mich unter dem Begriff kulturelle Bildung in Bezug auf das Theater für Kinder und Jugendliche interessiert ist die Übersetzung von Lebenswirklichkeit in ästhetische Erfahrungsräume, die von den Zuschauern fordert, erweiterte Perspektiven auf die sie umgebende Welt aktiv zu erschließen, zu entschlüsseln sowie kritisch zu hinterfragen. Dies fördert und stärkt zweifelsohne die Kompetenzen der Sinnes- und Sinnwahrnehmung. Indem sich Augenblick Mal! immer wieder auf die Suche nach herausragenden, impulsgebenden aktuellen Inszenierungen begibt, die in der Regel diese Ansprüche auch erfüllen, und indem es das ästhetische Profil und die künstlerische Qualität dieser Theaterform durch Präsentation und Diskurs fördert und mit gestaltet, leistet „Augenblick Mal!“ einen wesentlichen Beitrag zur Debatte über kulturelle Bildung in Deutschland.
Fortschritt ist möglich – aber: Oh Himmel über Berlin!
Der erfolgreiche Friedrichstadtpalast und die erfolglose FDP – Anmerkung zu einem genauso beispielhaften wie beispiellosen Vorgang. Unweit der Spree schipperte der Theatertanker Friedrichstadtpalast etliche lange Spielzeiten in seichten Gewässern, und das nicht nur ästhetisch. Auslastungen und Umsätze gingen von Saison zu Saison nicht dramatisch, aber zuverlässig um ein paar Punkte zurück. Vergeblich wurden neue Intendanten angeheuert. Im Herbst 2007 übernahm das Ruder schließlich Dr. Berndt Schmidt, den keiner wirklich kannte. Jetzt kennt man ihn. (Wozu er, ganz ein Mann des Marketings, mit seiner stets aufgeknöpften Eventpräsenz auch nach Kräften beiträgt.) Schmidt ließ die Bühne des Friedrichstadtpalastes noch einmal neu vermessen und es stellte sich heraus, dass sie die größte der Welt ist. Das größte Revuetheater Europas ist der Friedrichstadtpalast sowieso. Seine hinreissende Betonoptik kann mit den Designkuriositäten im DDR-Museum ein paar Meter spreeaufwärts mühelos mithalten. Für das Traditionshaus des Entertainmenttheaters also alles wunderbare Unique Selling Points. Zu deutsch: Alleinstellungsmerkmale. Und die weiß der Neue an der Spitze zu nutzen. In drei Jahren verschaffte er – Team und Ensemble dabei offenbar gut auf Kurs – dem Schlachtschiff der Revuekunst ein kleines Theaterwunder. Und es könnte noch ein ganz großes werden! Wenn denn Piraten aus dem politischen Lager die frisch aufgenommene Fahrt nicht stoppen – Was es zu verhindern gilt: Kampf der Kunstkarperei! Zum Weiterlesen, klicken Sie bitte hier. Worstward ho – Mythos und Hort: das deutsche Stadt- und Staatstheater!
An dem großen Staatsopernhaus bemerkt die Produktionsleiterin kurz vor Beginn der Probe, dass das Bodentuch nicht befestigt wurde. Sie lässt die Technik einrufen. Ein Bühnentechniker nagelt das Bodentuch fest – bis zur Bühnenmitte. Warum nicht weiter? Er sei für Bühne Links zuständig, der Kollege von Bühne Rechts sei zur Brotzeit, müsse ja auch mal sein. Ein daraufhin herbei geholter Ersatzkollege von Rechts nagelt seine Seite fest. Die Probe mit etwa 80 Beteiligten beginnt eine Viertelstunde später. Der Regisseur erleidet während dieser Wartezeit einen Tobsuchtsanfall. Dies trägt ihm in der Folge die Kritik des Betriebsrats wegen seiner „unsozialen und despotischen Grundhaltung“ ein. Der Intendant lässt auf Nachfrage aus dem Haus mitteilen, er wünsche nicht, sich zu den Vorgängen zu äußern. Per Aushang gibt der Intendant die Besetzung einer neuen Operettenproduktion bekannt. Dem jungen Gastregisseur teilt am ersten Probentag der Sänger X mit, er, der Sänger, sei unkündbar und der Intendant ein Volltrottel. Es richte sich nicht gegen ihn, den jungen Gastregisseur, aber er, der Sänger, werde die nächsten vier Wochen krank sein. Er käme dann ein paar Tage vor den Schlussproben, der junge Regiekollege möge ihm dann einfach kurz und knapp und bitte ohne Begründungen und Erklärungen sagen, wo er gehen, stehen und singen solle, er werde das dann alles auch genau so machen – Regisseure hätten nie irgendwelche Probleme mit ihm. Der junge Regisseur sucht entsetzt den Intendanten auf. Der Intendant sagt zum jungen Gastregisseur, er müsse es schaffen, Herrn X zu motivieren, dieser sei nun einmal unkündbar und überdies eng mit dem Bürgermeister befreundet. Der junge Regisseur kotzt noch im Vorzimmer des Intendanten auf die Auslegeware. Die ist lila und etwas abgewätzt. Zum Weiterlesen, klicken Sie bitte hier. Der Kulturkampf - Müssen Städte wie Flensburg ein Opernhaus haben?
OPERN-PARADIES In keinem anderen Land gibt es so viele Opernhäuser wie in Deutschland. Von den 560 Musiktheatern, die weltweit existieren, stehen 84 hierzulande. Anders gesagt: Jedes siebte Opernhaus auf der Welt ist ein deutsches. Und in dieser Zahl sind die privat finanzierten Häuser noch nicht einmal enthalten. In der jüngsten statistisch erfassten Spielzeit 2007/08 sahen 4,4 Millionen Menschen 6500 Opernvorstellungen in Deutschland. Acht Prozent der Bevölkerung – auch dies weltweit Spitze – sind regelmäßige Opernbesucher. Diese Vielfalt ist ein Relikt der deutschen Kleinstaaterei. Der Großteil der Staatsopern geht auf ehemalige Hof- und Residenztheater zurück. Nach dem Ende der Fürstenherrschaft wurden die meisten von ihnen in Staatstheater überführt. Berlin hat gleich drei Staatsopern, München die größte und älteste (gegründet 1657). Die kommunal verwalteten Stadttheater hingegen entstanden zumeist auf private Initiative im 19. Jahrhundert. Viele von ihnen wurden ebenfalls in der Weimarer Republik von den Stadtverwaltungen übernommen.
KOSTEN Keine Kunst ist so teuer wie die Oper. Der größte Teil der staatlichen Kulturausgaben entfällt auf die Theater; bei denen wiederum sind die Kosten für die Oper der größte Brocken. Der Jahresetat eines Opernhauses schwankt zwischen 6 Millionen Euro an kleineren Häusern (wie Lüneburg oder Annaberg) und mehr als 80 Millionen Euro an großen Bühnen (wie Stuttgart oder München). Die Theater und Opern in Deutschland kosten im Jahr mehr als 2,5 Milliarden Euro, rund drei Viertel davon sind Personalausgaben.
SUBVENTIONEN Nur knapp 20 Prozent dieser Kosten erwirtschaften die Opernhäuser aus eigener Kraft. So wird jede Eintrittskarte heute mit durchschnittlich 100 Euro subventioniert. Das »ökonomische Dilemma« der darstellenden Künste bestehe darin, erklärt der Deutsche Musikrat, dass »Produktivitätssteigerungen in ihrem Kernbereich«, also der Bühnendarstellung, »so gut wie unmöglich« seien. Während die Industrie in den vergangenen 200 Jahren immense Produktivitätssteigerungen verzeichnet habe, erfordere die Aufführung einer Oper nach wie vor die gleiche Personalstärke und den gleichen Arbeitsaufwand »wie zum Zeitpunkt ihrer Uraufführung vor 150 oder 200 Jahren«.
Zum kompletten Artikel hier. Hochmobil, kinderlos und immer zur Stelle! - Zur Arbeits- und Lebensorganisation Freier Darstellender Künstler
Die Frage nach der Heimat. Dem Haus. Dem Standbein. Der konstanten Variablen. Wo ist sie? Wo gehöre ich hin? Und wie überlebe ich dort? Alexander Pinto (Freier Kulturmanager- Berater) stellt auf dem 1. Bundeskongress der Freien Darstellenden Künstler in Stuttgart Anfang Dezember 2010 die aktuelle Arbeits- und Lebenssituation freier Künstler als ein Dilemma dar. Das Dilemma heißt Multilokalität. Es ist Konflikt und Chance zugleich.
Entsolidarisierung in Krisenzeiten - 20 Jahre Bundesverband Freier Theater
Entsolidarisierung in Krisenzeiten Wahrhaftig ein Grund zum Feiern: „20 Jahre Bundesverband Vom 9.-12. Dezember 2010 traten die Mitglieder des Bundesverbandes freier Theater im Theaterhaus Stuttgart zu ihrem 1. Bundeskongress zusammen. In einer Zeit der schwierigsten Lage aller Theater, der freien wie der von der öffentlichen Hand getragenen Stadt- und Staatstheater. Geht es den Theatern finanziell schlecht, wirkt sich das sowohl auf die künstlerische Produktion als auch auf das künstlerische und technische Personal aus. Die Problematik der haushaltsrechtlich als „freiwilliger Leistung“ ausgewiesenen Finanzierung des künstlerischen Bereichs ist nicht neu. In zyklischer Wiederkehr wiederholen sich die Angriffe auf die Theaterhaushalte. Neu aber sind dieses Mal die Reaktionen – wohl als Folge der Finanz- und Wirtschaftskrise – in Politik und Medien: Die Theater sehen sich geradezu feindseligen Attacken ausgesetzt, die ohne Beispiel sind. Während sich die Kulturpolitiker in besseren Zeiten ihrer Kultureinrichtungen rühmten, ergehen sie sich heute in Abbau- und Schließungsszenarien. Neu ist allerdings auch, dass sich unter den Theaterschaffenden eine Haltung der Entsolidarisierung breit macht, die es vorher so nicht gegeben hat. Während man in Notzeiten solidarisch zusammenrückte, steht heute die individuelle Selbstbehauptung im Vordergrund. Die Ursache dafür dürfte in den sozialen Folgen der qualitativen Veränderungen der Arbeitsverhältnisse liegen, insbesondere in der wachsenden Prekarisierung, von der nicht nur die darstellenden Künstler, sondern immer weitere Teile der Arbeitswelt erfasst werden. Auch die Organisationsbereitschaft hat sich gegenläufig entwickelt. An den Ergebnissen Weiterlesen: Entsolidarisierung in Krisenzeiten - 20 Jahre Bundesverband Freier Theater Landesweite Förderstrukturen im bundesweiten Vergleich - eine Studie von Caroline von Sassmannshausen
Die vorliegende Arbeit gibt einen detaillierten Überblick über die Förderstrukturen und –instrumente für Freies Theater (inkl. zeitgenössischer Tanz) auf der Bundes- und der Länderebene sowie in ausgewählten Städte (München, Frankfurt, Wien). Ziel der Studie war die argumentative Unterstützung des DFT Hamburg bei der Neugestaltung des Hamburger Fördersystems. Vor diesem Hintergrund fanden ausschließlich antragsoffene Programme sowohl der direkten als auch der indirekten Förderung (z.B. durch die NRW Kultursekretariate etc.) in den anderen Bundesländern und auf der Bundesebene Berücksichtigung. Festzustellen ist, dass es derzeit bundesweit kein einheitliches Verständnis von Freiem Theater gibt. Unter dem Etikett des Freien Theaters werden private Theater, freie Spielstätten, freie Gruppen mit und ohne eigene Spielstätte, semiprofessionelles und Amateurtheater gefördert. Entsprechend kann die Studie nur eine bedingte Vergleichbarkeit der unter Vorbehalt zu lesenden Förderzahlen leisten. Was sie jedoch leistet ist – ohne Anspruch auf Vollständigkeit - einen aktuellen und sehr detaillierten Einblick in die Förderstrukturen und -instrumente der einzelnen Bundesländer. Somit wird eine Vergleichbarkeit der Fördersysteme möglich. Als Quellen dienten im Internet zur Verfügung stehende Informationen (Förderrichtlinien, Anträge etc.), Presseartikel und vor allem eine Vielzahl an Gesprächen mit zuständigen Akteuren (Ministerien, Verbände, Stiftungen etc.). Damit vermag die Studie nicht nur die gegenwärtigen Förderbedingungen des Freien Theaters in Deutschland transparent zu machen, sondern sie eröffnet der Hamburger Kulturpolitik zugleich die Möglichkeit, das eigene Fördersystem zu einem deutschlandweit herausragenden zu entwickeln.
Wir danken Caroline von Sassmannshausen und de m Dachverband Freier Theaterschaffender Hamburg e.V für die Zuverfügungstellung dieser Studie. Von Tankstellen, Rucksäcken und fruchtbaren Clashs – Die ASSITEJ-Konferenz „Theater und Schule“
An einem Wochenende in der Münchner Schauburg stellten Wissenschaftler Projekte vor, mit denen Länder, Kommunen und einzelne Theater um das Publikum von morgen werben und den Lernort Schule ästhetisch zu befruchten hoffen. Zum Vorschein kamen: Eine verwirrende Vielfalt, knackige Fragen und ein immenser Kommunikationsbedarf. Schüler spielen Theater, Künstler gehen an Schulen und in einzelnen Bundesländern legen Lehramts-Studenten im Fach „Darstellendes Spiel“ ihr Staatsexamen ab. Kinder mit größerer ästhetischer und sozialer Kompetenz, ein breites und waches Publikum für die Theater von morgen und Schulen, die Lernen ganzheitlich definieren, sind das Ziel dieser Bemühungen. Was aber, außer der Bestandssicherung ihres Arbeitsmarktes, bringen sie den Künstlern? Auf der Länderkonferenz „Theater und Schule“, die die Internationale Vereinigung des Theaters für Kinder und Jugendliche ASSITEJ am 22. und 23. Oktober 2010 in München veranstaltete, wurde diese Frage kaum gestellt.
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